现在很多人都在聊，绘画到底能不能借用摄影的一些技巧？要是画得太像照片了，到底是夸人家画得好，还是说艺术没啥新意？最近这个话题又炒起来了，大家把这个问题放在现在这种信息满天飞的环境里，重新想想艺术到底应该怎么搞。 从历史上看，摄影术1839年一出来，跟绘画就是又竞争又合作。法国那个浪漫主义大师德拉克洛瓦就很喜欢摄影技术，他经常用银版照片去研究马奔跑的动作。印象派画家也喜欢用照片抓瞬间的光影效果，德加那些舞女的画里就有很明显的摄影构图痕迹。 到了20世纪这种现象更普遍了，美国有个叫查克·克洛斯的画家直接把相机当速写本用。不过要是照搬照片就不好了，艺术就会贬值。2011年有件事挺逗的，曾梵志画的一幅《雪豹》卖了3600万元，但后来被发现跟《国家地理》杂志的获奖照片长得特别像。当时艺术家说这行都这么干，但这也说明了大家对创作道德的认识挺模糊的。 现在的年轻画家也有类似的争议，说明咱们现在得赶紧定个标准来判断什么是好作品。关键就在于能不能做到“创造性转化”。中央美术学院有教授说：“要看你是不是把照片变成了另一种东西。”德国有个画家叫格哈德·里希特，他有个系列叫《1977年10月18日》，就是把老照片模糊处理一下，变成了对大家集体记忆的追问。 现在的问题主要有三个方面。第一是技术跟艺术怎么区分。现在的数码图像到处都是，“像照片”已经不稀奇了。中国艺术研究院的人说：“要是油画笔刷痕迹都看不见了，画面光溜溜的跟数码打印似的，那绘画就没什么东西了。”颜料的质感、笔刷的节奏还有修改的痕迹都是绘画的核心。 第二是版权问题。《伯尔尼公约》规定照片也是有版权的。中国人民大学知识产权学院的专家建议：“可以用转换性使用原则。”就是说新作品能不能给原素材加点新意思、新功能。 第三是评价体系得跟上时代。清华大学美术学院的教授说：“当代教育得教学生怎么用好每种材料的特性。”画画不比谁拍得更像现实世界。 国际上已经有新的玩法了。有些艺术家直接把照片当素材库用，把照片和画一块儿展览；还有些人用拼贴、变形的手法把两者结合起来。这让我们看到了突破二元对立的新路子。 现在人工智能也出来了，这个话题又被赋予了新的意思。艺术的本质在于人精神的投射。那支在画布上犹豫又果断的笔、那些凝固在颜料里的思考、还有无法用算法计算的情感温度才是最宝贵的东西。真正的创作从来不是复制世界，而是带着自己的人生体验去画画。 当你站在画前感动的时候，不应该只是想它像什么东西，而是想为什么非要这么画？这是个老问题也是个新问题。