3月6日晚，江苏大剧院歌剧厅内，由江苏省文投集团策划、江苏大剧院出品的原创舞蹈剧场《春之祭》2026年全国巡演正式启幕。作品亮相后迅速收获观众好评，社交平台上不少观众留言“初见是震撼”“挪不开眼”“五次谢场”等，直观表现为作品的感染力。 《春之祭》的创作起点来自一部百年经典。1913年，俄罗斯作曲家斯特拉文斯基的同名作品在巴黎首演，以前卫的音乐语言和大胆表达在现代艺术史上留下印记。一个多世纪以来，全球艺术家不断以不同形式重新解读这部经典。江苏大剧院此次并未停留在复刻或模仿，而是把视角投向一个常被忽略的群体——20世纪20年代远赴巴黎的中国艺术青年。 该设定包含着清晰的文化指向。彼时，一批中国知识分子与艺术从业者怀抱对现代艺术的渴望来到巴黎，在塞纳河畔的咖啡馆与艺术沙龙中寻找启蒙。他们既要面对东西方文化差异，也在古典与先锋的碰撞中思考民族艺术的路径。创作团队以这段历史为底色，用舞蹈这一更具通感的语言，呈现他们在探索中的迷惘、坚持与追问。 舞台呈现上，作品将东方意象与现代艺术手法并置。三角形旋转平台宛如破浪的船头，油纸伞、折扇、书简等传统元素与当代音乐交织，江南乡愁在舞台上缓缓铺展。这套视觉表达既保留中国文化的内在气质，也打开了与西方现代艺术对话的空间。观众既能追随百年前青年穿行欧洲艺术中心的身影，也能感受他们在文化碰撞中寻找表达方式的精神轨迹。 导演李超在采访中谈到作品的“创作密码”。他表示，《春之祭》最打动他的是跨越时代的生命体验——外部环境再如何变化，创作者终究要回到自己的精神原乡。围绕这一核心，主创在早期便确立了“巴黎即景”与“东方山脉”两段相对的结构：一段极静，一段极动，用强烈反差让两种空间、两种笔触、两种文化在舞台上相互映照，并由此搭建全剧框架。 编剧崔磊将主题概括为：在人生的不确定中找到内心安放之处。这一表达超越具体历史情境，也触及每个时代创作者都会面对的问题。主演们现场展示了剧中标志性动作，分享如何借助武术发力方式呈现东方美学的身体语言，以及如何减少对“漂亮姿态”的刻意追求，以更真实的情绪塑造有血有肉的艺术先驱形象。 值得关注的是，作品采用男女双版本卡司设计。导演介绍，女班版本更强调“接纳”的气质，男班版本则呈现更具张力的“咆哮”状态；两种版本从不同侧面折射艺术青年在文化探索中的心理起伏与精神追求。这一设计为观众提供了不同的观看路径，也反映了当代舞蹈在人物建构上的细致考量。 在观演体验的延展上，江苏大剧院也做了新的尝试。剧院推出《春之祭》联名西点，并在咖啡馆营造呼应主题的氛围；歌剧厅前厅设置三角画布，观众可自由泼墨，画出心中的“春天”；现场还设置漂流瓶传递活动，记录观演心情与舞台瞬间，并随巡演带往下一站青岛，让不同城市的观众在同一作品中形成“隔空接力”。这些安排让舞台体验延伸到剧场之外，也增强了作品与观众生活的连接。 对于是否需要提前了解背景，李超更推崇“现场的直觉”。他结合个人多年的观演经验表示，艺术的价值常常来自那一次独属于个人的相遇与触动。这也折射出当代创作对观众主体感受的尊重，以及作品应当具备的开放度。
经典之所以成为经典，不在于被反复复制，而在于不断激发新的表达与新的理解。以《春之祭》为镜，今天的创作者再次提出同一个问题：在世界的喧响中如何守住精神原乡，在文化交汇处如何写下自己的答案。当舞者的脚步从舞台走向观众席，艺术不再只是“被观看”的对象，也成为连接城市、连接青年、连接时代思考的桥梁。